Teatrul neoclasic – adesea scris drept teatru – se referă la o mișcare de la mijlocul secolului al XVII-lea până la începutul secolului al XVIII-lea, în care artele teatrale au fost definite de ideile și stilurile societăților antice grecești și romane. Oamenii vremii puneau un accent deosebit pe decor, sau comportamentul demn și pe realism, și credeau că motivele principale pentru o piesă erau să ofere divertisment și să predea o lecție. Peisajele grandioase și complicate, drama elaborată și grija strictă pentru clasici au fost caracteristicile mișcării, majoritatea producțiilor fiind caracterizate și prin utilizarea a cinci acte, puține spectacole și un nivel ridicat de improvizație. Mișcarea a început în Franța, dar s-a răspândit rapid în toată Europa și nu numai.
Principiul călăuzitor al epocii
Filosofia generală în timpul erei neoclasice a fost că perioadele anterioare fuseseră mult prea laxe, concentrându-se excesiv pe emoții și pe individ. Oamenii vremii credeau că, ca urmare, este necesar să se exercite o oarecare reținere și să se concentreze mai mult pe ceea ce fiecare persoană ar putea contribui la întreaga societate. Ei au căutat inspirație despre cum să facă acest lucru în culturile vechilor greci și romani, clasiciștii originali, și au încercat să se întoarcă la modul în care acele grupuri se ocupaseră de viață și de arte.
Cele Cinci Reguli
Atitudinea neoclasicilor față de exces și de individ i-a determinat să elaboreze un set strict de linii directoare pentru ceea ce era potrivit în teatru. Acestea au inclus cinci reguli de bază: puritatea formei, cinci acte, verosimilitate sau realism, decor și scop. Casele de joc au respins, în general, scenariile sau producțiile care nu îndeplineau aceste cerințe.
Dramaturgii și actorii din perioada neoclasică au recunoscut oficial doar două tipuri de piese: comedia și tragedia. Nu le-au amestecat niciodată împreună, iar restricția a dus la folosirea acum binecunoscutei perechi de măști fericite și triste care simbolizează artele teatrale. În plus, prevederi suplimentare reglementau subiectul și personajele care puteau apărea în fiecare gen de joc. Comediile, care erau fie satire, fie comedii de maniere, aveau tendința de a se concentra asupra rangurilor inferioare ale societății, în timp ce tragediile înfățișau viețile complexe și fatidice ale claselor superioare și ale familiei regale. Aderarea la aceste genuri a fost esențială pentru succesul unei piese, iar abaterea de la aceste limite de clasă a fost împotriva ordinului clasicilor.
Ideea că o piesă de teatru ar trebui să fie structurată cu exact cinci acte se leagă de cele trei principii, sau unități, concepute de Aristotel. În calitate de filosof și analist, el credea că teatrul bun și realist necesită unitate de acțiune, loc și timp, adică foarte puține subploturi, limitarea schimbărilor de locație sau geografie și menținerea cronologiei intrării la cel mult 24 de ore. Dramaturgii care s-au mutat în diferite formate au primit de obicei critici grele. Pe lângă limitarea în cinci acte, majorității producțiilor serioase li s-a oferit doar una sau câteva spectacole, pentru că cei implicați doreau să evite crearea de spectacole și să atragă elita sau învățatul din societate, ceea ce avea ca rezultat un public mult mai mic.
Oamenii care trăiesc în această perioadă se așteptau, de obicei, ca actorii să fie cât mai realiști și să-și portretizeze personajele exact așa cum s-ar fi comportat. În alte stiluri de teatru, actorii erau cunoscuți pentru că erau excesiv de dramatici sau acționau în afara clasei sau rolului lor, dar neoclasicismul cerea aderarea strictă la clasă, statut social, temperament și gen. Elementele fantastice sau supranaturale, împreună cu solilocurile și refrenurile, de obicei nu erau incluse, deoarece nu reprezentau experiența sau comportamentul din lumea reală.
Decorum a cerut scenarii pentru a demonstra corectitudinea în modul în care personajele au fost portretizate și judecate pe scenă. De asemenea, însemna că dreptatea va fi făcută atunci când era necesar, așa că, în general, nu existau sfârșituri surprinzătoare în teatrul neoclasic, în sensul că personajele cu o judecată morală sănătoasă erau întotdeauna recompensate, iar cei care făcuseră alegeri proaste sau rele erau pedepsiți. În cele din urmă, producțiile trebuiau să îndeplinească scopurile de a preda o lecție morală și de a distra.
Scena, decoruri și costume
Decorurile din teatrul neoclasic erau dramatice, elaborate și bogate. Au fost concepute pentru a oferi un fundal luxuriant fiecărei scene și pentru a ajuta publicul să se piardă în dramă. Un alt obiectiv a fost de a oferi o iluzie realistă de profunzime și percepție. Scenele în sine au fost reproiectate în această perioadă cu arcade dramatice pentru a evidenția scenele și mai multe puncte de intrare pe scenă. Ideea de a schimba peisajul și fundalul devine mai proeminentă, în special odată cu inventarea sistemelor de scripete care au permis pieselor să se miște mai rapid pe scenă. Iluminarea și efectele sonore au sporit starea de spirit și mesajul fiecărei scene, sporind experiența dramatică.
Desigur, articolele de îmbrăcăminte monotone ar fi părut oarecum deplasate în contextul acestor noi decoruri și design de scenă. Deși costumele au păstrat un sentiment de realism, ele erau totuși foarte colorate, folosind adesea dantelă și alte ornamente pentru a le face mai atractive. Uneori, cei din piesă foloseau și măști, respectând stilul commedia dell’arte.
improvizație
În multe cazuri, dramaturgii ar oferi doar o schiță liberă a intrigii și se aștepta ca actorii să improvizeze pentru a umple eventualele lacune. Acest lucru a fost mai frecvent în cazul comediilor, dar s-a întâmplat în ambele forme, pentru că a desfășura o reprezentație a fost o decizie spontană care nu a lăsat întotdeauna mult timp pentru scris sau pentru repetiții. În unele trupe, oamenii s-au specializat în interpretarea unui număr foarte limitat de personaje, astfel încât să poată surprinde mai bine personaje din mers, iar câțiva actori s-au dedicat interpretării acelorași roluri de-a lungul întregii lor cariere.
Introducerea femeilor
Timp de sute de ani, doar bărbații au avut voie să urce pe scenă. Opinia generală a fost că femeile nu ar trebui să fie implicate în spectacole publice sau să fie puse într-o poziție mai proeminentă, iar unii oameni au crezut că femeile sunt atât de ocupate să se gândească la alte lucruri încât nu și-au putut aminti și nu-și puteau rosti replicile corect. Ca urmare, băieții sau bărbații prepuberi care își puteau manipula vocile au luat roluri feminine. În perioada neoclasică însă, femeilor li s-a permis să fie acționari la companii de teatru și să participe la producții, rezultând unele dintre primele actrițe profesioniste plătite.
dramaturgi majori
Deși au existat mulți dramaturgi de succes în timpul mișcării neoclasice, trei dramaturgi au obținut o cantitate semnificativă de succes și notorietate. Pierre Cornielle (1606 – 1684) este adesea numit părintele tragediei franceze, scriind scenarii de mai bine de patru decenii. Jean-Baptiste Poquelin — mai bine cunoscut sub numele de Molière (1622 – 1673) — este cunoscut pentru comediile sale. Jean Racine (1639 – 1699) a fost un tragedian îndrăgit pentru abordarea simplistă a acțiunii și pentru ritmurile și efectele lingvistice pe care le-a obținut. Toți acești trei oameni au reușit să preia elemente din literatura clasică greacă și romană și să le transforme în piese de teatru care au aderat la standardele neoclasice de decor, timp și spațiu.