Wielotonowość to technika kompozytorska w muzyce, w której kompozytor używa dwóch lub więcej klawiszy jednocześnie zamiast tylko jednego. Na przykład jeden gracz może grać w C-dur, podczas gdy inny gra jednocześnie w Es-dur. Każdy użyty klawisz ma określony środek tonalny, który zwykle jest pierwszą nutą skali powiązaną z klawiszem. Posługując się więcej niż jednym klawiszem, kompozytor ustanawia wiele centrów tonalnych, co teoretycznie czyni muzykę bardziej złożoną i interesującą dla słuchacza.
Chociaż muzycy mają tendencję do klasyfikowania wielotonowości jako bardziej współczesnej metody muzycznej, z definicji opiera się ona wyłącznie na koncepcjach tonalnych, które istniały od setek lat. W rzeczywistości, jak na ironię, bardziej współczesna muzyka atonalna, która całkowicie rezygnuje z używania centrów tonalnych, technicznie nie może być politonalna, ponieważ klawisze są tylko sugerowane lub w najlepszym razie implikowane. Dlatego lepiej postrzegać tę technikę jako twórczy sposób na uzyskanie współczesnego brzmienia bez porzucania reguł tonalnych.
Ze względu na to, że wielotonowość jest dość rzucająca się w oczy, kompozytorzy używają jej tylko wtedy, gdy celowo chcą wywrzeć śmiały wpływ i nadać współczesny charakter tradycyjnej tonalności. Stopień, w jakim wielotonowość jest widoczna, zależy jednak od tego, jak blisko są ze sobą powiązane wybrane klawisze, ponieważ wiele klawiszy zawsze w jakiś sposób harmonizuje ze sobą i dlatego nigdy nie są naprawdę niezależne. Na przykład, jeśli w utworze użyto F-dur i A-dur, relacja byłaby interwałem tercji, która jest uważana za spółgłoskę i która jest bardzo powszechna. Gdyby jednak kompozytor pisał F-dur i H-dur, interwał byłby kwartą podwyższoną lub podwyższoną, która jest rzadszym interwałem dysonansowym, który o wiele bardziej wbija się w ucho.
We wczesnych formach kompozytorzy, tacy jak Wolfgang Amadeus Mozart, stosowali wielotonowość oszczędnie i częściej dla uzyskania efektu komediowego. Później wielotonowość stała się sposobem na podkreślenie przez kompozytorów, że pewien stopień muzycznego chaosu może stworzyć przyjemną większą całość. Idea tych kompozytorów polegała na tym, że to właśnie dysonans, kontrapunkt i „walka” między wykonawcami lub sekcjami sprawiają, że muzyka jest interesująca. Jednym z największych kompozytorów pod tym względem był Charles Ives, którego słynne „Wariacje o Ameryce” okrzyknięto wielotonowym arcydziełem.
Wielotonowość nie musi być obecna w całym utworze muzycznym, choć może być. Prawdopodobnie najprostszym tego przykładem byliby gracze wykonujący tę samą melodię w równoległym ruchu, zaczynając od dwóch różnych dźwięków. Częściej pojawia się, gdy kompozytor chce zbudować punkt kulminacyjny.