Teatr neoklasyczny — często pisany jako teatr — odnosi się do ruchu od połowy XVII do początku XVIII wieku, w którym sztuka teatralna została zdefiniowana przez idee i style starożytnych społeczeństw greckich i rzymskich. Ludzie w tamtych czasach kładli duży nacisk na przyzwoitość, godne zachowanie i realizm, i wierzyli, że głównym powodem przedstawienia spektaklu jest zapewnienie rozrywki i nauczenie lekcji. Wspaniała, misterna scenografia, dopracowana dramaturgia i ścisła dbałość o klasykę były cechami charakterystycznymi tego ruchu, przy czym większość produkcji charakteryzowała się również wykorzystaniem pięciu aktów, nielicznych wykonań i wysokim poziomem improwizacji. Ruch rozpoczął się we Francji, ale szybko rozprzestrzenił się w całej Europie i poza nią.
Przewodnia zasada epoki
Ogólna filozofia epoki neoklasycznej polegała na tym, że poprzednie okresy były zbyt luźne, skupiając się nadmiernie na emocjach i jednostce. Ludzie w tamtych czasach uważali, że w rezultacie konieczne jest zachowanie pewnej powściągliwości i skupienie się bardziej na tym, co każda osoba może wnieść do całego społeczeństwa. Poszukiwali inspiracji, jak to zrobić, w kulturach starożytnych Greków i Rzymian, pierwotnych klasyków, i próbowali powrócić do sposobu, w jaki te grupy radziły sobie z życiem i sztuką.
Pięć zasad
Stosunek neoklasyków do nadmiaru i jednostki skłonił ich do wypracowania ścisłych wytycznych dotyczących tego, co było właściwe w teatrze. Obejmowały one pięć podstawowych zasad: czystość formy, pięć aktów, wierność czyli realizm, decorum i cel. Domy zabaw na ogół odrzucały scenariusze lub produkcje, które nie spełniały tych wymagań.
Dramaturdzy i aktorzy w okresie neoklasycznym oficjalnie uznali tylko dwa rodzaje sztuk: komedię i tragedię. Nigdy nie mieszali ich razem, a ograniczenie doprowadziło do użycia dobrze znanej pary szczęśliwych i smutnych masek, które symbolizują sztuki teatralne. Co więcej, dodatkowe postanowienia regulowały tematykę i postacie, które mogły pojawić się w każdym gatunku sztuki. Komedie, które były albo satyrami, albo komediami obyczajowymi, zwykle skupiały się na niższych warstwach społeczeństwa, podczas gdy tragedie przedstawiały złożone i fatalne życie wyższych klas i rodziny królewskiej. Przestrzeganie tych gatunków miało kluczowe znaczenie dla sukcesu sztuki, a odejście od tych granic klasowych było sprzeczne z porządkiem klasyków.
Pomysł, że sztuka powinna być skonstruowana z dokładnie pięcioma aktami, wiąże się z trzema zasadami, czyli jednościami, wymyślonymi przez Arystotelesa. Jako filozof i analityk wierzył, że dobry, realistyczny teatr wymaga jedności akcji, miejsca i czasu, czyli bardzo niewielu wątków podrzędnych, ograniczenia zmian lokalizacji lub geografii i utrzymania osi czasu akcji nie dłużej niż 24 godziny. Dramaturdzy, którzy przenieśli się do różnych formatów, zwykle spotykali się z ostrą krytyką. Oprócz ograniczenia do pięciu aktów najpoważniejsze produkcje miały tylko jeden lub kilka przedstawień, ponieważ zaangażowani chcieli uniknąć tworzenia spektakli i przemawiać do elity lub wykształconego społeczeństwa, co skutkowało znacznie mniejszą widownią.
Ludzie żyjący w tym okresie również zwykle oczekiwali od aktorów, aby byli jak najbardziej realistyczni i przedstawiali swoje postacie dokładnie tak, jak by się zachowywali. W innych stylach teatralnych aktorzy byli znani z tego, że byli nadmiernie dramatyczni lub grali poza swoją klasą lub rolą, ale neoklasycyzm wymagał ścisłego przestrzegania klasy, statusu społecznego, temperamentu i płci. Elementy fantastyczne lub nadprzyrodzone, wraz z monologami i chórami, zwykle nie były uwzględniane, ponieważ nie przedstawiały doświadczenia ani zachowania w świecie rzeczywistym.
Decorum wezwał do stworzenia scenariuszy, które zademonstrują uczciwość w sposobie przedstawiania i oceniania postaci na scenie. Oznaczało to również, że sprawiedliwość zostanie wymierzona w razie potrzeby, więc generalnie w teatrze neoklasycznym nie było niespodzianek, w tym sensie, że postacie o zdrowym osądzie moralnym zawsze były nagradzane, a ci, którzy dokonali złych lub złych wyborów, byli karani. Spektakle miały docelowo służyć jako nauka moralności i rozrywkę.
Scena, dekoracje i kostiumy
Scenografia w teatrze neoklasycznym była dramatyczna, dopracowana i bogata. Zostały zaprojektowane tak, aby zapewnić bujne tło każdej scenie i pomóc widzom zatracić się w dramacie. Kolejnym celem było zapewnienie realistycznej iluzji głębi i percepcji. Same sceny zostały w tym okresie przeprojektowane z dramatycznymi łukami, aby podkreślić sceny i wiele punktów wejścia na scenę. Pomysł zmiany scenerii i tła stał się bardziej widoczny, szczególnie po wynalezieniu systemów kół pasowych, które pozwalały częściom szybciej poruszać się po scenie. Oświetlenie i efekty dźwiękowe wzmocniły nastrój i przesłanie każdej sceny, wzmacniając dramatyczne wrażenia.
Naturalnie szare ubrania wyglądałyby nieco nie na miejscu w kontekście tych nowych scenografii i scenografii. Chociaż kostiumy zachowywały poczucie realizmu, nadal były bardzo kolorowe, często wykorzystując koronki i inne ozdoby, aby były bardziej atrakcyjne. Czasem ci w sztuce używali także masek, zachowując styl komedii dell’arte.
improwizacja
W wielu przypadkach dramaturdzy podawali jedynie luźny zarys fabuły, a od aktorów oczekiwano, że będą improwizować, by wypełnić luki. Było to bardziej powszechne w przypadku komedii, ale występowało w obu formach, ponieważ wystawianie spektaklu często było spontaniczną decyzją, która nie zawsze pozostawiała dużo czasu na pisanie lub próby. W niektórych zespołach ludzie specjalizowali się w graniu bardzo ograniczonej liczby postaci, aby mogli lepiej uchwycić postacie w locie, a kilku aktorów poświęciło się odgrywaniu tych samych ról przez całą swoją karierę.
Wprowadzenie kobiet
Przez setki lat na scenie mogli być tylko mężczyźni. Ogólny pogląd był taki, że kobiety nie powinny brać udziału w publicznych spektaklach ani stawiać na bardziej eksponowanych stanowiskach, a niektórzy ludzie wierzyli, że kobiety są tak zajęte myśleniem o innych rzeczach, że prawdopodobnie nie są w stanie zapamiętać i właściwie wygłosić wersów. W rezultacie chłopcy lub mężczyźni w wieku przedpokwitaniowym, którzy potrafili manipulować głosem, przyjmowali role kobiece. Jednak w okresie neoklasycznym kobiety mogły być udziałowcami zespołów teatralnych i uczestniczyć w przedstawieniach, dzięki czemu powstały jedne z pierwszych zawodowych aktorek opłacanych.
Główni dramaturdzy
Podczas gdy w ruchu neoklasycznym było wielu odnoszących sukcesy dramaturgów, trzech dramaturgów osiągnęło znaczny sukces i rozgłos. Pierre Cornielle (1606 – 1684) jest często nazywany ojcem francuskiej tragedii, pisząc scenariusze przez ponad cztery dekady. Jean-Baptiste Poquelin – lepiej znany jako Molier (1622 – 1673) – znany jest ze swoich komedii. Jean Racine (1639 – 1699) był tragikiem uwielbianym za jego uproszczone podejście do akcji oraz językowe rytmy i efekty, które osiągnął. Wszyscy trzej mężczyźni byli w stanie wziąć elementy z klasycznej literatury greckiej i rzymskiej i przekształcić je w sztuki, które były zgodne z neoklasycznymi standardami decorum, czasu i przestrzeni.