Mulți factori pot afecta relația dintre percepție și artă, inclusiv structura psihologică a privitorului, predispoziția genetică, educația și fundalul religios. În trecut, multe culturi au dezvoltat moduri sistematizate de a crea artă, ceea ce a făcut mai ușor pentru spectatori înțelegerea operelor de artă. Dezvoltarea mișcării artistice postmoderne și a mass-media au complicat legătura dintre percepție și artă.
Structura psihologică a unei persoane poate influența modul în care vede arta. O persoană cu o personalitate în general însorită și optimistă probabil că nu va fi atrasă de unele dintre picturile sumbre și torturate cu monștri care mănâncă oameni pe care le-a pictat Francisco de Goya. El sau ea ar putea fi mai în acord cu unele dintre picturile portret ale lui Goya.
Predispozițiile genetice, cum ar fi daltonismul și alte anomalii vizuale, pot avea, de asemenea, o influență asupra percepției și artei. Este posibil ca o persoană cu daltonism să nu distingă toate culorile dintr-un tablou. Cineva care are o problemă cu percepția adâncimii va vedea un tablou diferit decât cineva cu o vedere normală.
Educația și expunerea anterioară la arta vizuală ar putea influența percepția și arta. O persoană educată în istoria artei ar putea vizita Luvru din Paris pentru a vedea Mona Lisa și pentru a aprecia abilitățile artistice și răbdarea necesare pentru a descrie tonurile pielii așa cum a făcut Leonardo da Vinci. Pe de altă parte, o persoană fără cunoștințe de istoria artei s-ar putea gândi: „Doamne, ăsta e un tablou îngrozitor de mic, întunecat, toți acești oameni sunt înghesuiti. Care este marea problemă?”
Chiar și religia unei persoane poate fi un factor în modul în care este percepută o operă de artă. Dacă un catolic devotat căruia nu-i place culoarea roșie vede o pictură cu un crucifix roșu inversat pe un fundal negru, el sau ea este predispus să considere pictura sacrilegă și nu ar înțelege sau nu ar fi de acord cu intențiile artistului. Prețul picturii și reputația artistului nu ar influența opinia privitorului.
De-a lungul istoriei, multe culturi au dezvoltat o estetică sistematizată, sau principii ale frumuseții, precum și un subiect standard care a simplificat percepția artei. Egiptenii au pictat oameni într-un stil foarte specific cu care spectatorii erau obișnuiți. Subiectul picturilor și sculpturilor renascentiste s-a bazat aproape întotdeauna pe povești religioase cu care majoritatea oamenilor erau familiarizați. Artiștii Renașterii au folosit, de asemenea, principii de estetică, cum ar fi unitatea, repetiția și echilibrul pentru a crea compoziții plăcute pe care creierului uman îi plăcea să le vadă.
După Renaștere, multe academii de pictură occidentale, cum ar fi cele din Franța, de exemplu, s-au bazat pe estetică ca fundație pentru a crea picturi care au fost considerate frumoase. Ascensiunea artei moderne la începutul secolului al XX-lea a adus o schimbare majoră în gândirea despre percepție și artă. Unul dintre cei mai cunoscuți pictori moderni a fost Picasso, care, împreună cu Georges Braque, a dezvoltat stilul de artă abstractă cunoscut sub numele de cubism. Chiar dacă opera de artă a lui Picasso era abstractă, el se baza în continuare pe principii estetice sistematizate.
Teoria postmodernă și accesul gata la Internet au schimbat semnificativ conceptele despre estetică, precum și despre percepție și artă. Unii artiști postmoderni creează artă digitală doar pentru internet, iar alți artiști produc jocuri pe computer care sunt considerate artă plastică. În schimb, unele metode low-tech de a crea artă, cum ar fi scrierea pe frunze de tutun cu un stilou negru sau realizarea unei sculpturi din tampoane, sunt, de asemenea, considerate artă. Aceste forme de artă variate există alături de arta tradițională precum pictura și sculptura și au produs o mare controversă cu privire la percepția, precum și definiția artei.