Το νεοκλασικό θέατρο-συχνά αναφέρεται ως θέατρο-αναφέρεται σε ένα κίνημα στα μέσα του 17ου έως τις αρχές του 18ου αιώνα, στο οποίο οι θεατρικές τέχνες καθορίζονταν από τις ιδέες και τα στυλ των αρχαίων ελληνικών και ρωμαϊκών κοινωνιών. Οι άνθρωποι της εποχής έδωσαν μεγάλη έμφαση στη διακόσμηση, ή την αξιοπρεπή συμπεριφορά, και τον ρεαλισμό, και πίστευαν ότι οι πρωταρχικοί λόγοι για ένα έργο ήταν να προσφέρουν ψυχαγωγία και να διδάξουν ένα μάθημα. Μεγάλα, περίπλοκα σκηνικά, περίτεχνο δράμα και αυστηρή φροντίδα για τα κλασικά ήταν τα βασικά στοιχεία του κινήματος, με τις περισσότερες παραγωγές να χαρακτηρίζονται επίσης από τη χρήση πέντε παραστάσεων, λίγων παραστάσεων και υψηλού επιπέδου αυτοσχεδιασμού. Το κίνημα ξεκίνησε στη Γαλλία, αλλά γρήγορα εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη και πέρα.
Καθοδηγητική Αρχή της Εποχής
Η γενική φιλοσοφία κατά τη νεοκλασική εποχή ήταν ότι οι προηγούμενες περίοδοι ήταν πολύ χαλαρές, εστιάζοντας υπερβολικά στα συναισθήματα και το άτομο. Οι άνθρωποι της εποχής πίστευαν ότι ήταν αναγκαίο να υπάρξει κάποια αυτοσυγκράτηση ως αποτέλεσμα και να συγκεντρωθούν περισσότερο στο τι θα μπορούσε να προσφέρει κάθε άτομο σε ολόκληρη την κοινωνία. Αναζήτησαν έμπνευση για το πώς να το κάνουν αυτό στους πολιτισμούς των αρχαίων Ελλήνων και Ρωμαίων, των αρχικών κλασικιστών, και προσπάθησαν να επιστρέψουν στον τρόπο που οι ομάδες αυτές χειρίστηκαν τη ζωή και τις τέχνες.
Οι Πέντε Κανόνες
Η στάση των Νεοκλασικιστών απέναντι στην υπερβολή και το άτομο τους οδήγησε να αναπτύξουν μια αυστηρή σειρά οδηγιών για ό, τι ήταν κατάλληλο στο θέατρο. Αυτοί περιλάμβαναν πέντε βασικούς κανόνες: καθαρότητα μορφής, πέντε πράξεις, αληθοφάνεια ή ρεαλισμός, διακόσμηση και σκοπός. Τα Play House γενικά απέρριπταν σενάρια ή παραγωγές που δεν πληρούσαν αυτές τις απαιτήσεις.
Θεατρικοί συγγραφείς και ηθοποιοί στη νεοκλασική περίοδο αναγνώρισαν επίσημα μόνο δύο είδη έργων: κωμωδία και τραγωδία. Δεν τα ανακάτεψαν ποτέ μαζί, και ο περιορισμός οδήγησε στη χρήση του γνωστού πλέον ζεύγους χαρούμενων και λυπημένων μάσκας που συμβολίζουν τις θεατρικές τέχνες. Επιπλέον, πρόσθετοι όροι διέπουν το θέμα και τους χαρακτήρες που θα μπορούσαν να εμφανιστούν σε κάθε είδος παιχνιδιού. Οι κωμωδίες, που ήταν είτε σάτιρες είτε κωμωδίες τρόπων, τείνουν να εστιάζουν στις χαμηλότερες τάξεις της κοινωνίας, ενώ οι τραγωδίες απεικονίζουν τη σύνθετη και μοιραία ζωή των ανώτερων τάξεων και των βασιλικών. Η τήρηση αυτών των ειδών ήταν ζωτικής σημασίας για την επιτυχία ενός έργου και η απόκλιση από αυτά τα όρια της τάξης ήταν αντίθετη με τη σειρά των κλασικών.
Η ιδέα ότι ένα έργο πρέπει να δομηθεί με πέντε ακριβώς πράξεις συνδέεται με τις τρεις αρχές, ή ενότητες, που επινόησε ο Αριστοτέλης. Ως φιλόσοφος και αναλυτής, πίστευε ότι το καλό, ρεαλιστικό θέατρο απαιτούσε ενότητα δράσης, τόπου και χρόνου, που σημαίνει πολύ λίγα υποπλαίσια, περιορισμό των αλλαγών στη θέση ή τη γεωγραφία και διατήρηση του χρονοδιαγράμματος της πλοκής σε όχι περισσότερο από 24 ώρες. Οι θεατρικοί συγγραφείς που μετακόμισαν σε διαφορετικές μορφές συνήθως αντιμετώπισαν έντονη κριτική. Εκτός από τον περιορισμό των πέντε ενεργειών, στις περισσότερες σοβαρές παραγωγές δόθηκαν μόνο μία ή λίγες παραστάσεις, επειδή οι εμπλεκόμενοι ήθελαν να αποφύγουν τη δημιουργία θεαμάτων και να προσελκύσουν την ελίτ ή τους έμπειρους στην κοινωνία, γεγονός που είχε ως αποτέλεσμα πολύ μικρότερο κοινό.
Οι άνθρωποι που ζούσαν σε αυτήν την περίοδο συνήθως περίμεναν ότι οι ηθοποιοί θα ήταν όσο το δυνατόν πιο ρεαλιστικοί και θα απεικόνιζαν τους χαρακτήρες τους ακριβώς όπως θα είχαν συμπεριφερθεί. Σε άλλα στυλ θεάτρου, οι ηθοποιοί ήταν γνωστοί για το ότι ήταν υπερβολικά δραματικοί ή έπαιζαν εκτός τάξης ή ρόλου, αλλά ο νεοκλασικισμός απαιτούσε αυστηρή τήρηση της τάξης, της κοινωνικής θέσης, της ιδιοσυγκρασίας και του φύλου. Φανταστικά ή υπερφυσικά στοιχεία, μαζί με μονόλογες και χορωδίες, συνήθως δεν περιλαμβάνονταν, επειδή δεν αντιπροσώπευαν πραγματική εμπειρία ή συμπεριφορά.
Ο Decorum ζήτησε σενάρια για να δείξουν τη δικαιοσύνη στον τρόπο που οι χαρακτήρες απεικονίστηκαν και κρίθηκαν στη σκηνή. Αυτό σήμαινε επίσης ότι η δικαιοσύνη θα απονεμόταν όταν ήταν απαραίτητο, οπότε γενικά δεν υπήρξαν εκπληκτικές καταλήξεις στο νεοκλασικό θέατρο με την έννοια ότι οι χαρακτήρες με ορθή ηθική κρίση πάντα ανταμείβονταν και όσοι είχαν κάνει κακές ή κακές επιλογές τιμωρούνταν. Οι παραγωγές τελικά έπρεπε να εκπληρώσουν τους σκοπούς της διδασκαλίας κάποιου ηθικού μαθήματος και της ψυχαγωγίας.
Η σκηνή, σκηνικά και κοστούμια
Τα σκηνικά στο νεοκλασικό θέατρο ήταν δραματικά, περίτεχνα και πλούσια. Σχεδιάστηκαν για να προσφέρουν ένα πλούσιο σκηνικό σε κάθε σκηνή και να βοηθήσουν το κοινό να χάσει τον εαυτό του στο δράμα. Ένας άλλος στόχος ήταν να παράσχει μια ρεαλιστική ψευδαίσθηση βάθους και αντίληψης. Οι σκηνές επανασχεδιάστηκαν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου με δραματικές καμάρες για να αναδείξουν τις σκηνές και τα πολλαπλά σημεία εισόδου στη σκηνή. Η ιδέα της αλλαγής σκηνικού και σκηνών γίνεται πιο εμφανής, ιδιαίτερα με την εφεύρεση συστημάτων τροχαλίας που επέτρεψαν στα μέρη να μετακινηθούν πιο γρήγορα στη σκηνή. Τα εφέ φωτισμού και ήχου αύξησαν τη διάθεση και το μήνυμα κάθε σκηνής, ενισχύοντας τη δραματική εμπειρία.
Φυσικά, τα νωπά ρούχα θα έμοιαζαν κάπως παράταιρα στο πλαίσιο αυτών των νέων σκηνών και σχεδίων. Αν και τα κοστούμια όντως διατηρούσαν μια αίσθηση ρεαλισμού, εξακολουθούσαν να είναι πολύχρωμα, συχνά χρησιμοποιώντας δαντέλες και άλλα διακοσμητικά για να τα κάνουν πιο ελκυστικά. Μερικές φορές, όσοι συμμετείχαν στο έργο χρησιμοποίησαν επίσης μάσκες, τηρώντας το στιλ commedia dell’arte.
Αυτοσχεδιασμός
Σε πολλές περιπτώσεις, οι δραματουργοί θα παρείχαν μόνο ένα χαλαρό περίγραμμα μιας πλοκής και οι ηθοποιοί αναμενόταν να αυτοσχεδιάσουν για να καλύψουν τυχόν κενά. Αυτό ήταν πιο συνηθισμένο στις κωμωδίες, αλλά συνέβη και στις δύο μορφές, επειδή η παράσταση συχνά ήταν μια αυθόρμητη απόφαση που δεν επέτρεπε πάντα πολύ χρόνο για συγγραφή ή πρόβα. Σε ορισμένους θιάσους, οι άνθρωποι εξειδικεύτηκαν να παίζουν έναν πολύ περιορισμένο αριθμό χαρακτήρων, ώστε να μπορούν να συλλάβουν καλύτερα τα πρόσωπα εν κινήσει, και μερικοί ηθοποιοί αφοσιώθηκαν στην απόδοση των ίδιων ρόλων σε όλη τη σταδιοδρομία τους.
Εισαγωγή των Γυναικών
Για εκατοντάδες χρόνια, μόνο οι άντρες είχαν τη δυνατότητα να βρίσκονται στη σκηνή. Η γενική άποψη ήταν ότι οι γυναίκες δεν πρέπει να συμμετέχουν σε δημόσια θεάματα ή να τοποθετούνται σε πιο εμφανή θέση, και μερικοί άνθρωποι πίστευαν ότι οι γυναίκες ήταν τόσο απασχολημένες με το να σκέφτονται άλλα πράγματα που δεν μπορούσαν να θυμηθούν και να παραδώσουν σωστά τις γραμμές. Ως αποτέλεσμα, τα αγόρια ή οι άνδρες που ήταν σε ηλικία δεν ήταν σε θέση να χειριστούν τις φωνές τους. Κατά τη νεοκλασική περίοδο, ωστόσο, επιτρέπεται στις γυναίκες να είναι μέτοχοι θεατρικών εταιρειών και να συμμετέχουν σε παραγωγές, με αποτέλεσμα μερικές από τις πρώτες επαγγελματίες αμειβόμενες ηθοποιούς.
Κύριοι Θεατρικοί Συγγραφείς
Ενώ υπήρχαν πολλοί επιτυχημένοι θεατρικοί συγγραφείς κατά τη διάρκεια του νεοκλασικού κινήματος, τρεις θεατρικοί συγγραφείς πέτυχαν μια σημαντική επιτυχία και φήμη. Ο Πιερ Κορνιέλ (1606 – 1684) ονομάζεται συχνά ο πατέρας της γαλλικής τραγωδίας, γράφοντας σενάρια για περισσότερες από τέσσερις δεκαετίες. Ο Jean-Baptiste Poquelin-περισσότερο γνωστός ως Molière (1622-1673)-είναι γνωστός για τις κωμωδίες του. Ο Jean Racine (1639 – 1699) ήταν ένας τραγικός αγαπημένος για την απλοϊκή του προσέγγιση στη δράση και τους γλωσσικούς ρυθμούς και επιδράσεις που πέτυχε. Και οι τρεις αυτοί άνδρες μπόρεσαν να πάρουν στοιχεία από την κλασική ελληνική και ρωμαϊκή λογοτεχνία και να τα μετατρέψουν σε έργα που τηρούσαν τα νεοκλασικά πρότυπα διακόσμησης, χρόνου και χώρου.